Harold et Maude - Al Ashby - critique

Critique : Avec Harold et Maude, Hal Ashby et le scénariste Colin Higgins ont redéfini la façon de concevoir le genre de la comédie romantique avec une modernité salvatrice et un mépris certain pour la censure puritaine encore prégnante dans le cinéma américain du début des années 1970. Harold et Maude est légitimement considéré comme une œuvre fondatrice du Nouvel Hollywood qui, malgré son échec public et critique, aura su traverser les âges grâce à la modernité de son écriture, abordant des thématiques alors quasiment inexistantes dans le paysage cinématographique de l’époque, comme la dépression pathologique ou encore la relation sexuelle intergénérationnelle. Harold, héros burtonien avant l’heure, est un adolescent enfermé malgré lui dans le moule d’une société américaine figée, alors reclus dans un manoir vétuste et mortifère qui sonne comme une extension matérielle de sa crise existentielle. Il semble n’avoir rien vécu et ne rien vouloir vivre. Les seuls véritables moments où il peut ressentir quelque chose, ne serait-ce qu’une douleur physique, se réalisent lors de ses mises en scène macabres semblables à des simulations de suicide.

Copyright Paramount Pictures

Sa rencontre avec Maude, une octogénaire passionnée par la mort et les enterrements, va faire éveiller chez lui une flamme cathartique susceptible de cicatriser ses blessures intérieures. Ce choc des générations va générer une déflagration que personne n’aurait soupçonnée. C’est là qu’est tout le génie d’Harold et Maude : démontrer que l’amour foudroyant peut être une réelle thérapie face au mal-être et l’asociabilité. Puisque, sous ses airs de fable positiviste faussement naïve, le récit déploie l’exorcisme psychique d’un dépressif avec une impressionnante maîtrise symbolique. Ainsi, en alternant le quotidien soporifique d’Harold, empreint d’un humour noir caustique à souhait avec la folle énergie que déploie Maude, le cinéaste concilie habilement deux registres qui semblaient n’avoir rien en commun avec une fluidité troublante : celui, intime, de la chronique sociale, et celui, élégiaque, du drame romantique qu’affectionnaient Billy Wilder ou Douglas Sirk. Aussi, au fil de ce cheminement douloureux vers la guérison, Hal Ashby signe une ode exaltante à la lutte acharnée voire désespérée de l’individu face à la normalité. Rare sont les films qui ont su capter la détresse émotionnelle de l’adolescence avec une telle délicatesse. On le voit assez tôt, le scénariste Colin Higgins ne poursuit qu’un seul but : révéler le côté obscur de la bourgeoisie américaine que semble cacher désespérément Madame Chasen, la mère d’Harold, derrière son visage angélique.

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Ashby fait honneur à ses contemporains, tout en faisant preuve d’un minimalisme remarquable, en illustrant la solitude de l’individu au milieu d’une banlieue proprette gangrenée par la fracture sociale et l’isolationnisme. Ponctuée de panoramiques extrêmement travaillés, la mise en scène arrive à retranscrire à l’écran toutes les pensées passagères de ces personnages auxquels le cinéaste semble s’attacher tout particulièrement. Ruth Gordon est incontestablement la révélation d’Harold et Maude. Son rôle est une lueur d’éclaircie au milieu de cette vallée de larmes et lègue en témoignage d’une carrière déjà admirable une interprétation laissant transparaître une palette d’émotions puissamment éloquente, alternant de multitudes lignes de jeu. Les visuels, clairement inspirés par la peinture américaine des années 1930 dont Edward Hopper était le maître étendard, forcent le respect. Certains plans par ailleurs rappellent le travail du photographe Gregory Crewdson qui, comme Hal Ashby, semble affectionner les paysages urbains déserts et désenchantés. Avec Harold et Maude, Hal Ashby a dévoilé un réel talent pour conter une histoire, et la rendre majestueuse, empreinte de spiritualité et, en définitive, immensément humaine.