Napoléon - Ridley Scott - critique

Critique : Napoléon passionne les cinéastes, puisque près de trente-et-un longs-métrages sont recensés depuis le cinéma muet, mettant au centre du récit la figure contrastée de cet homme d’État. Cette fois, le regard qui est posé sur l’empereur est américano-britannique. On échappe donc habilement aux poncifs d’un récit historique réinventé au bénéfice de la France et ses citoyens, avides de se référer à des figures allégoriques. Au contraire, Ridley Scott bâtit un personnage (presque) de fiction, habité par le désir insatiable de pouvoir, l’orgueil, le charisme, mais aussi une immense vulnérabilité. Le réalisateur noircit sans doute à juste titre une page d’Histoire française, après la grande Révolution, où la mort, la cruauté et l’ambition démesurée de certains ne se sont pas éteintes, en dépit des promesses démocratiques de 1789. Ridley Scott ne fait pas de cadeau aux gouvernants français, mû peut-être par une volonté de faire narration, mais aussi par celle de démolir les mythes faciles d’une France qui se voudrait donneuse de leçons aux populations du monde en matière de liberté et de fraternité.

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L’intérêt central de cette fiction historique demeure le couple formé par Napoléon Bonaparte et Joséphine. Une fois que le spectateur a dépassé le paradoxe de la langue anglaise pour conter une page de l’Histoire de France, il entre dans la vie conjugale tortueuse entre l’empereur et son épouse. On se rend compte que Napoléon voue pour sa dulcinée une passion dévorante, le conduisant à des comportements autant infantiles que violents. Le récit ne montre guère l’homme de pouvoir stratège. Il fait d’abord le portrait d’un homme amoureux, fragile et monstrueux à la fois, que sa femme tente de contenir des excès du pouvoir. Elle le trompe, ne parvient pas à lui donner un descendant, et pourtant Napoléon lutte pour ne pas la quitter. Il se remet à elle à la fois en bourreau, en mari transi d’amour et en enfant maladroit et redoutable. Joaquim Phoenix et Vanessa Kirby interprètent ces deux héros avec beaucoup de virtuosité, jusque dans l’usage de la voix qui parfois faillit aux ravages de la mélancolie, et d’autres fois, à la démesure et à la cruauté. On regrettera toutefois une représentation des femmes très négative, les réduisant souvent à des objets sexuels, et ouvrant en contraste aux hommes le chemin de la gloire.

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Ridley Scott, plus que tout autre réalisateur, sait filmer les batailles et la guerre. L’art de la mise en scène, des ralentis donne à ces représentations de la guerre des airs théâtraux et mélodramatiques puissants. La bataille d’Austerlitz qui, finalement, sera la seule victoire nette de l’homme de guerre, demeure la mieux filmée. On voit la vision d’un soldat, capable de tromper l’ennemi et de conduire ses troupes à la mort et à la victoire. Évidemment, il y a dans l’effort de mise en scène du réalisateur de Gladiator une obsession à faire de ces pages d’Histoire un tableau de peinture. D’ailleurs, les couleurs, les lumières, jusque certaines scènes comme le sacre de l’empereur, restituent des œuvres picturales célèbres. C’est dire que le cinéaste s’amuse avec la réalité historique, préférant, à la rigueur universitaire, la magie de l’art, le goût de l’aventure et du gigantisme.

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Il ne faut pas sur-évaluer la grandeur de ce Napoléon qui ne restera pas dans les annales du cinéma. Il s’agit avant tout d’un projet visant à transporter les spectateurs dans un univers narratif quasi fantastique, à la manière des péplums qui traversent l’offre cinématographique depuis plus de cinquante ans. Le plaisir est certain, malgré quelques longueurs et un manque certain de nuances dans la manière d’aborder le couple de Napoléon et Joséphine. En tous les cas, les 2 heures 40 passent relativement vite, avec au cœur des attentions, le visage défait d’un homme avide de pouvoir qui aura passé son existence à sacrifier des combattants pour sa propre gloire.