Storia d’amore - Francesco Maselli - critique

Critique : Après Il sospetto (1975), Francesco Maselli (Gli sbandati, 1955 ; I delfini, 1960) avait consacré dix ans à la télévision (Tre operai, 1980, en quatre épisodes), à des documentaires collectifs engagés et à une intense activité d’ordre politique au sein de l’ANAC - Associazione Nazionale Autori Cinematografici.

Storia d’amore - Maselli 1986

© ISTITUTO LUCE I.N.C.

Il revenait au cinéma de fiction avec ce roman-photo prolétarien inspiré par les enquêtes menées, en vue d’un des documentaires précités, auprès de jeunes défavorisés mais "normaux" (ni délinquants, ni marginaux, ni drogués) de la périphérie romaine, et créait la surprise au Festival de Venise de 1986 par une fraîcheur de ton et d’inspiration inattendue.
Filmé souvent caméra à l’épaule, au plus près des personnages (par exemple lorsqu’elle accompagne amoureusement le serveur évoluant entre les tables tel un danseur), affichant même parfois un semblant de maladresse un rien apprêtée et non dénuée de coquetterie, monté serré, mais sans risque d’asphyxie, comme sous le coup d’accès de fièvre alternant avec des mouvements plus paisibles, porté par les accords déchirants et mélancoliques d’une entêtante partition signée Giovanna Marini à laquelle se mêlent quelques rengaines de variété, le film prend le contre-pied du cinéma militant comme du naturalisme complaisant à la Brutti, sporchi e cattivi (Affreux, sales et méchants, Scola 1976).

Storia d’amore - Maselli 1986

© ISTITUTO LUCE I.N.C.

Sans peur des critiques prévisibles (romantisme de la misère, idéalisation naïve, sentimentalisme, intentions à la fois confuses et trop visibles) Maselli opte pour l’empathie, choisissant de révéler la beauté morale et physique, en un mot la grâce de tous ses personnages, et même pour une certaine poétisation du réel (le saisissant ocre romain d’une usine désaffectée), tout en évitant, à notre avis, l’émotion facile et la démonstration.

Storia d’amore - Maselli 1986

© ISTITUTO LUCE I.N.C.

La Bruna de Valeria Golino, dont c’est le premier grand rôle, couronné d’un prix vénitien, est animée d’une énergie confiante et d’une franchise qui en font une figure inoubliable.
Observée à la juste distance par un cinéaste qui ne cherche pas forcer l’intimité du personnage ni à l’instrumentaliser, l’actrice réussit à faire comprendre le geste final de l’héroïne qui se laisse tomber dans le vide sans le charger d’une interprétation réductrice.
Cette séquence de suicide accidentel (au sens de pas inévitable), au soleil, rythmé par les coups de marteaux d’un ouvrier travaillant sur le toit voisin, est d’une incroyable légèreté, presque joyeuse et d’autant plus poignante, à l’image de l’ensemble de ce film limpide et mystérieux dont le lyrisme discret bouleverse sans avoir besoin de sortir le grand jeu.