Orfeu Negro - Mario Camus - critique

Critique : Récompensé en son temps, adoré par un large public, même si le Brésil y voyait un regard étranger et superficiel, Orfeu negro est à la fois la seule réussite reconnue d’un cinéaste à la carrière erratique et un mélange étonnant de diverses influences avouées ou pas. On le sait, Camus refusait l’idée d’une transposition du mythe d’Orphée (son film s’appuie sur une pièce de théâtre écrite par Vinicius de Moraes) mais il en conserve nombre d’éléments : non seulement l’argument, mais aussi des indices épars (le chien s’appelle Cerbère, par exemple). Réactualiser des mythes, d’autres et de très glorieux s’y sont essayé, de Giraudoux à Cocteau, sans oublier la version très controversée de Jacques Demy, Parking. L’originalité de Camus est de transposer l’amour tragique au pays de la danse et du carnaval, dans une ambiance de fête continuelle, ce qui permit de faire découvrir le Brésil et sa musique, et en particulier la bossa nova.

Copyright Cinéma Public Films

Orphée conduit un tramway ; il rencontre la belle Eurydice alors qu’elle fuit la mort (un homme qui veut la tuer). Ils finissent par s’aimer mais la mort la pourchasse et finit par l’emporter. Dès le début, donc, le tragique et son destin inéluctable sont présents ; dans les dialogues évidemment, mais aussi de manière plus subtile par le jeu permanent avec la couleur. Car Eurydice porte une robe blanche, blanche comme la cérémonie finale, blanche comme la morgue. Tout l’enjeu du film est de lutter contre cette prédestination : un marchand aveugle lui offre un collier jaune avant qu’elle ne débarque et le jaune se retrouve à de nombreuses reprises (le cerf-volant, les costumes des amants pour le carnaval, mais aussi le soleil, qu’Orphée « fait lever » par son chant). À cette symphonie de couleurs s’ajoute le redoutable rouge des enfers, éclatant dans la scène de la mort d’Eurydice. Des échos parsèment le film : le canari emprisonné qui revient deux fois, par exemple.

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Mais Orfeu negro est surtout une ode au rythme et à la danse, que le cinéaste contemple longuement. Sa fascination pour l’énergie débordante et les corps en perpétuelle agitation contamine la moindre scène jusqu’à faire des déplacements de la mort un ballet silencieux. Partout et à tout âge, la vitalité s’exténue en des mouvements aussi répétitifs que l’est le rythme lancinant qu’il enregistre en des séquences étirées. Pour peu qu’il soit sensible à cette musique, le spectateur est à son tour emporté par la danse, à laquelle Marcel Camus prête un érotisme latent : les corps sont souvent fins et musclés et les gestes parfois explicites. Célébration de la vie, de l’amour et du mouvement, Orfeu negro raconte aussi la jalousie, le tragique, mais il y mêle un esthétisme coloré qui perdure au-delà de la mort (voir la scène de la chute et les amants enlacés dans une corolle de verdure).
On ne compte pas les séquences réussies de ce film atypique, des surgissements de la mort (belle idée du masque) à la danse de possession en passant par la poursuite en un long travelling de la femme jalouse. Mais on garde une tendresse infinie pour la toute fin, qui voit se perpétuer le mythe avec de nouveaux Orphée et Eurydice : alors qu’un nouveau soleil pointe, la vie recommence et, avec elle, inséparable, la danse. Tout peut advenir encore : le drame est effacé, peut-être n’existera-t-il plus.